Dizem-se “três portuenses entre o poético e o mundano, com tempo de sobra para queimar”. O nome, devem-no a Eça de Queiroz: é uma das últimas linhas na novela O Mandarim, um conto sobre os perigos da ganância. Esse era um tema presente nas letras de João Amorim (vocalista que também dá uma perna na guitarra), com certeza, mas o fito principal deste nome era o de marcar a portugalidade. Afinal, a banda esteve para se chamar “Língua Morta”, pelo desespero que os músicos sentiam em ver tão pouca música cantada na sua língua.

Mas mais uma coincidência: como em Eça, nota-se um apego à cidade onde criam – o Porto. Além da walking tour que são as letras de “Croché”, onde se nota um carinho pela condutividade das ruas portuenses a deambulações, há uma crítica que lançam em uníssono: “Há poucos espaços a programar concertos ao vivo, muito poucos. Se não tivéssemos montado concertos em sítios em que nos autopropusemos, não tínhamos feito quase nada”, afirma Manuel Dinis (ele da guitarra e voz).

Já longe dos casamentos, tiveram neste verão uma tour sólida, um pouco por todo o país. Segundo João Campello (baixo e voz), “foi ótimo, deu para descobrir sítios como Pombal de Ansiães, sítios a que nunca iria lá dar sozinho”, e também deu para “aprender como desenrascar tocar em sítios com pouco espaço, ou onde não há o equipamento exato e precisamos de resolver como tocar nessa configuração”.

Ao tocar nas festas de locais onde poucos os conheciam, foi de uma grande ajuda o trabalho feito com o EP “Nunca Mates o Mandarim Cantam os Clássicos” – covers de hinos do nacional-cançonetismo português, de Carlos Paião a Ruth Marlene, e que, segundo os próprios, é “uma coleção de arranjos indie-pop-rock que revisita a purpurina do bailarico”. Campello admite que o truque deu jeito. "Tocamos a Pó de Arroz, e todo o público que não nos conhece a sabe de cor. Já canta connosco e ganha logo uma afeição ao que nós estamos a fazer – mas também já chegaram a achar que nós éramos uma banda de tributo aos Diapasão.”

Lê-se na sua bio em algumas plataformas que “Marquise queria ser uma varanda no Porto, mas taparam-lhe o ar livre” e que, por isso, “munida de garganta, baquetas e palhetas, ataca ferozmente as paredes para se dar a conhecer ao mundo”. O texto, do camarada Daniel Catarino da editora Saliva Diva, é muito acarinhado pela banda, mas reconhecem-no como uma defesa criativa pós-facto: na verdade, o nome Marquise surgiu pouco antes do primeiro concerto ao vivo – afinal, teriam de ser anunciados de alguma forma. Ficou, então, a referência travessa ao local onde fazem os ensaios, na Praça do Marquês. Uma origem simples e direta que assenta bem a uma banda que parece fluir naturalmente em tudo.

Quando nos sentamos a conversar com os aliterativos Mafalda (Rodrigues, voz), Miguel (Pereira, o da guitarra), Miguel (Azevedo, o do baixo) e Matias (Ferreira, bateria), tinham acabado de regressar de tocar em Paredes de Coura, no palco que animava o centro da vila no âmbito do festival. Miguel Pereira fala de como “não estava à espera que tanta gente” os fosse ver, e de como, além da “imensa energia” que isso transmite a quem está em palco, os surpreendeu ver tanta gente a cantar com eles. “Uma coisa é cantarem connosco em concertos que damos no Porto, mas sair deste circuito e, ainda assim, ver pessoas a cantar foi uma surpresa”.

E a tocar o quê? Os Marquise rejeitam géneros demasiado encerrados, dizem ter demasiadas influências para se fecharem numa etiqueta. Mas, ainda assim, é possível ver um rasgo de grunge que é harmonizado com um indie rock de ritmo puxado. Tudo isto como base atravessada pela voz melíflua de Mafalda, reconhecida por Matias como um trunfo da banda: “Tivemos a sorte de encontrar alguém que escreve bem em português, e consegue cantar bem em português.”

Assim, a escolha pela língua-mãe não foi necessariamente um debate interno aceso, foi algo que emergiu naturalmente na composição das canções. Como também acontece naturalmente a gravação do primeiro EP – após um concerto na Faculdade de Arquitetura, os técnicos de som desse evento, estando a montar os Estúdios Cedofeita, vieram propor-lhes gravar esse primeiro trabalho. Em toda esta linha de coincidências felizes, apenas um ponto cria atrito: a banda faz o seu próprio booking, e nota alguma dificuldade em encontrar salas onde atuar.

Ao contrário dos restantes projetos, em apenas dois anos Joana Raquel vai já no seu segundo álbum – Queda Áscua, que se seguiu a Ninhos. O segredo está no grande motor do jazz na cidade, a Associação Porta-Jazz, que Joana já frequentava assiduamente, mas que a partir de fevereiro passou a integrar como parte da equipa. “A Porta-Jazz era algo incontornável na cidade para um músico de jazz, fazia todo o sentido eu lançar a minha música com eles”, recorda.

Joana é natural de Ançã, em Coimbra, onde o primeiro contacto com a criação de música acontece na banda filarmónica local, emprestando o seu fôlego a um oboé. O próximo passo acontece já em Coimbra, com a entrada para um curso profissional de jazz: “Acho que a minha vida é um bocado feita de acasos, porque eu não planeio muito, mas as coisas vão acontecendo. Eu não estava muito por dentro da música jazz até ir para o curso e foi lá que aprendi tudo.” Foi também o sítio onde aprendeu a separar-se do seu oboé, um instrumento que “não se inclui muito” no género.

O tempo livre associou-se à liberdade de não ter de se conformar à normatividade implícita no ensino, e, como se via “a fazer uma coisa mais longe disso”, começou a “fazer o exercício” de escrever as suas próprias músicas e as suas próprias letras. No ecossistema da Porta-Jazz encontra o apoio para o primeiro disco no pianista Miguel Meirinhos: “Eu tenho muitos impulsos de iniciar coisas, mas depois tenho dificuldade em acabar, e ele tem dificuldade em começar, por isso funcionou tão bem!”

Depois deste primeiro Ninhos, com um tradicional quarteto de piano, contrabaixo, bateria e voz, Queda Áscua representa uma fuga para a liberdade ainda maior. “Aqui misturei as minhas influências: quando estava a escrever, estava a ouvir música fora do jazz, mais canções, por isso tentei fazer algo que começa com um tema, e depois parte para o improviso.”

São dois, mas contam como um só: FOQUE é um produtor natural do Porto, e Black Lavender é um cantor americano que se mudou para cá em 2022. A história deles começa com “ghosting”. FOQUE (nome de guerra de Luís Leitão) já seguia o trabalho de Black Lavender, e durante o confinamento enviava-lhe diversas mensagens com propostas de batidas para possíveis colaborações. Black Lavender, à altura confinado em Madrid, lia mas não respondia.

Na verdade, não se tratava de frieza, mas antes de uma necessidade da parte de Black Lavender em conduzir processos criativos presencialmente. A oportunidade surge com a mudança permanente de Black Lavender para o Porto – cidade onde, de resto, ele passava todas as férias há alguns anos. Aí, sim, acontece o encontro, e a primeira sessão de estúdio – o duo tornou-se inseparável até aos dias de hoje, em que estão já nos últimos estágios do álbum que têm vindo a cozinhar. Antes do Porto no pós-pandemia, os percursos de cada um pareciam perpendiculares, em caminhos que se aproximavam até ao ponto de interseção.

FOQUE começa por se formar em Teatro, embora sempre tivesse cultivado atividade em projetos musicais de rock e progressivo. Após três anos a estudar Teatro no Porto, muda-se para Lisboa e decide mudar de rumo: mantendo-se na área do Teatro, ocupa-se de composição e arranjo musical para peças, mantendo em paralelo um estudo autodidata de produção musical. O nome artístico, FOQUE, surge quando decide assumir uma zona de foco no seu trabalho: é assim que assina, por exemplo, o seu álbum a solo “Ato isolado”, produção para artistas como DAMA ou Special ADZ, e composições para bandas sonoras. Mas Black Lavender antecipa problemas: “Vai ser difícil dizer o teu nome em direto, quando formos entrevistados em talk shows americanos.”

O primeiro álbum do duo está quase a sair, mas há já dois singles e uma canção "usada para testar metodologias e abrir caminho para os singles". Existe uma grande diversidade tonal entre os três: "Tri State", o tal teste pré-álbum, apoia-se em batidas quentes para um flow descontraído; já “Say Less” (em colaboração também com B Ghost, brasileiro radicado no Porto) é uma canção vibrante sobre o fim de uma relação; e o mais recente single, “Bandits”, remete para um groove típico de “filmes de blaxpoitation, um ambiente que me interessa imenso”, segundo Black Lavender. Todos eles são pistas para o álbum com data de lançamento a 4 de outubro, no Torto.